The gallery has the great pleasure to present the work of Bernhard Rüdiger in its upcoming exhibition starting May 16th. Bernhard Rüdiger was born in Rome in 1964. A graduate of the Accademia di Belle Arti of Milan, he has lived in Paris since 1994 and currently teaches at the Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts of Lyon.
 
Back in Italy, Bernhard Rüdiger worked at the Casa degli artisti of Milan, founded by Luciano Fabro, Jole de Sanna and Hidetoshi Nagasawa in 1981, and helped to define the Italian art scene of the second half of the 1980s. After collaborations with such artists as Liliana Moro, Adriano Trovato and Mario Airò as well as several experimental collective projects, the group founded the journal Tirracorendo and the gallery Lo Spazio di Via Lazzaro Palazzi, an important institution in the Milanese art scene between 1989 and 1993. Bernhard Rüdiger subsequently made a name for himself in France with a monumental piece entitled La Poésie installed at the F.R.A.C. centre in 1995. Since then he has participated in numerous group exhibitions (Le Magasin, Grenoble, 1992 , Venice Biennale, 1993 ; Le Nouveau Musée, Villeurbanne, 1995, Rome Quadriennale, 1996 et 2008) as well as personal shows (La Box, Bourges, 1994 ; Centre de Création Contemporaine, Tours, 1996 ; CRUCE, Madrid, 2002 ; Galerie Christian Stein 1995 et 2000; Galerie Michel Rein 2000 et 2004; Château des Adhémars, Montélimar 2006; Château de la Bastie d'Urfé 2009; Traversée Zeitgenössische Kunst, Munich, 2005, 2008 et 2011 ; Galerie des Multiples, Paris, 2011).
Bernhard Rüdiger’s works confront the viewer with physical experiences bringing into play objects, bodies and space. Both sculptures and architectural monuments, his pieces seek to dialogue with history through meticulous spatial and acoustic arrangements, such as in Pendule 06.08.1945. The artist is also interested in opening up the possibility for the work to react to the presence of visitors or natural elements.

Named after the song by Duke Ellington and John Coltrane, the « In a Sentimental Mood » exhibition offers a journey through every facet of love.
 
Gathering the work of eight artists from different generations and backgrounds – Felix Gonzalez-Torres, Jiri Kovanda, Myriam Mechita, Daphné Navarre, Marylène Negro, Jack Pierson, Alessandro Raho and Jimmy Robert – the exhibition conceived by Vanessa Desclaux explores the experience of love in its universality as well as ultimate singularity.
 
Through films, installations, sculptures and portraits, the exhibition brings together desire and longing, sensuality and melancholia, using contemporary imagery to express the complexity of human feelings. By drawing on sounds, visual or gestural codes, each exhibit develops a unique approach to exploring the limitations of language in expressing the depth of an emotion.
 
Reinventing the love letter, tapping the poetic possibilities of an object, conjuring a loving embrace – these are some of the ways chosen by the artists to capture the many moods of romantic reverie.
 
Born in 1981, Vanessa Desclaux works as an independent curator, but is also the author of essays on art and a regular contributor to the specialized press in Europe. Currently an art history teacher at Dijon’s Ecole Nationale Supérieure d’Art, she is also pursuing a PhD at the University of London’s Goldsmiths College.

in camera présente « Sirocco » un ensemble d’une vingtaine de photographies en couleur de Dolorès Marat.
Ces photographies ont été réalisées depuis 2005 dans le pourtour méditerranéen: Marseille, Bastia, Tunisie, Syrie, Jordanie, Egypte, Italie. Passionée par ces lieux et ces villes mythiques, Dolorès Marat s’intéresse à l’aspect immuable de ce vieux monde. Ses images provoquent I‘imagination de celui qui regarde. Ainsi nombre de personnages, lieux, objets, fragments, apparemment anodins, ou juste éléments de décoration, sont détournés par l’artiste. Elle les transforme avec talent en photographies magiques et irréelles.
A l’encontre de la réputation de «légèreté» de certaines villes du pourtour méditerranéen, Dolorès Marat donne à voir à travers ses images une certaine «gravité», et semble avoir trouvé le lien invisible et éternel qui fait de la Méditerranée la « Mare Medi Terra ».`
 
« On éprouve chaque fois, en regardant les images de Marat, la sensation d’être en douceur pris au piège. Comme si, s’attachant aux autres, elle dessinait les contours fragiles de nos propres existences. Une tristesse diffuse semble s’être emparée du monde, et de chacun, pour nous laisser sans défense, désemparés, perdus et assiégés de toute part. » Stéphane Guibourge
 
«Dolorès Marat fait preuve d’une remarquable constance dans l’exercice de son art. Dès les premières publications de ses images, elle se signale par une inspiration et une écriture qui ne vont pas varier, ou à peine, à tel point que ses photographies apparaissent un peu aujourd’hui comme hors du temps, sans date... Ce qui retient notre attention, c’est avant tout le caractère impressionniste de la représentation que Dolorès Marat donne de la réalité qui l’entoure : la manière d’aborder les gens, les objets, de fixer l’atmosphère des lieux qu’elle affectionne, la manière de cadrer, de regarder à une certaine distance sans trop détailler. Et cette démarche a dès le début trouvé son aboutissement, sa matérialisation, son rythme, dans un tirage photographique à caractère artisanal: le procédé Fresson. Un tirage immédiatement reconnaissable par son rendu particulier des couleurs, et par une texture du papier très présente.» Gabriel Bauret
 
Dolorès Marat débute la photographie en 1959 dans une boutique de quartier où elle apprend les techniques de laboratoire. De 1969 à 1982, elle est engagée comme photographe attitrée au magazine Votre Beauté où elle développe et tire les photos des plus grands noms du moment : Guy Bourdin, Jeanloup Sieff, Helmut Newton, Sarah Moon....
Depuis 1983, Dolorès Marat développe un travail personnel qu’elle expose régulièrement à Paris, Londres, New York et Bruxelles.
 
Au détriment des modes et des genres, Dolorès Marat continue ses voyages et sa recherche. Son travail d’auteur utilise uniquement le procédé de tirage Fresson.

For her first solo exhibition at galerie kamel mennour, the Belgian artist Ann Veronica Janssens punctuates the space with works that play with the mobile states of matter, varied nuances of colours and the intensity of light.
 
A long metal I-beam has been placed on the concrete floor of the gallery, of which it appears to form a part. Its mass anchors it securely to the floor, but its upper surface shines with an oily brightness. Metal is by its nature chthonian, but here it gives back something of the sky it reflects, because the artist has made the light jump out by polishing the metal. Responding to the density of the beam is the transparency of two volumes of glass, also placed on the ground. Coloured throughout, these parallelepipeds were created in the Czech Republic. They capture a light that gives the impression of radiating out from within the works. Close by, a cubic glass aquarium plays similarly with the light, but also with the space around it. Like a black hole, it swallows everything, only to give it all back in a diffracted, quasi-cubist and kaleidoscopic way. It is filled with liquid, on the surface of which an intense monochrome tonality gives the impression of a phantom image. These games of reflections are like thresholds where images dissolve.
Finally, the last work is the continuation of a series begun in 1997 with the white fog at the M HKA in Antwerp, a fog which became coloured in 2000 in Tours, and likewise the following year at the Neue Nationalgalerie in Berlin with the installation Blue, Red and Yellow. Here, with the walls painted in hot colours, the natural light and artificial fog induce the troubling experience of evolving in a paradoxical space, at once dense and light, enclosed and infinite. There is also a bewitching sensation of heaviness, and the impression of being immersed in colour, of a journey into an intangible abstraction.
 
Born in Folkestone (UK) in 1956, Ann Veronica lives and works in Brussels (BE).
Her work has been shown in numerous solo exhibitions: “Serendipity”, WIELS - Contemporary Art Centre, Brussels (BE), “Are you experienced?”, Espai d’art contemporani de Castelló (ES), Museum Morsbroich, Leverkusen, Neue Nationalgalerie, Berlin, Kunstverein München (GE), Musée d’Orsay, Paris (FR), CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco (USA), Ikon Gallery, Birmingham (UK), Kunsthalle Bern (CH) and Mac Marseille (FR)…
Since 1985, she has also participated in major group exhibitions, including at: Centre Pompidou in Paris, MoCA - Museum of Contemporary Art of Los Angeles (USA), Power Plant - Contemporary Art Gallery (Canada), Generalli Foundation (AT), Chisenhale Gallery, Hayward Gallery (UK), Witte de With, Museum Boijmans Van Beuningen, Kröller-Müller Museum (NL), Kunstverein (GE); and taken part in various international biennales: the Biennale of Sydney (AUS), as well as those of Istanbul (TR), São Paulo (BR) and Seoul (KR). Alongside Michel François, she represented Belgium at the 1999 Venice Biennale (IT).
Ann Veronica Janssens collaborates regularly with choreographers (Pierre Droulers and Anne Teresa De Keersmaeker).
In 2009, with Nathalie Ergino, she initiated the ‘Laboratoire espace cerveau’ at the IAC in Villeurbanne (FR).
Her work is currently on show at the Grand Palais in the exhibition « Dynamo, Un siècle de lumière et de mouvement dans l'art, 1913 – 2013 ». Ann Veronica Janssens is the author of a commissioned work for the chapelle Saint-Vincent of Grignan, inauguration on May 25th.

The Galerie Nathalie Obadia is delighted to present recent works by Enoc Perez in the new gallery, rue du Bourg-Tibourg.
 
It is the third show by the artist with Galerie Nathalie Obadia , who has represented him since 2007. His first exhibition was hold then, after his participation in ‘Cher Peintre ... Peintures Figuratives depuis l’ultime Picabia’ at the Centre Pompidou in 2002. An exhibition of works on paper was aslo held at the gallery in Brussels in 2011.
 
Enoc Perez is back with an eagerly awaited exhibition; this will be the first time his sculptures are shown in Paris. With these sculptural works, Enoc Perez continues to explore the themes of modernist architecture, nostalgia and the culture of his native Puerto Rico, which has always been a source of inspiration in his pictorial work. The sculptures revisit the atmosphere of hotels in the Caribbean, a topic which is also present in the paintings from the years 2000.
 
The Galerie Nathalie Obadia will be presenting recent paintings by Enoc Perez: more abstract architectures which use a very subtle and more austere palette of colours to define constructions which are still modern, but already shaping up to become the relics of an America and its history.

Cyrille André was at first known for the sculptures he made carving tree trunks with the chain saw. Often inspired by the social behavior, he uses the animal or monumental metaphor to treat these subjects. After the outdoor exhibition which the City of Metz dedicated him during summer 2012 at the Botanical garden, the Convent of Récollets and the Arsenal, for his fourth personal exhibition at Galerie Pièce Unique, Cyrille André stages a set of hybrid figures consisted of human bodies decorated with animal heads. These sculptures, of various sizes in polyester resin, bronze or aluminum, have a dialogue between them and invite us to do so.
 
By associating the animal representation with the human figure Cyrille André enriches it with myths, faiths and symbols which are linked to animals through the collective and individual imaginary. We find on all the continents and in most of the cultures rites which refer to this
“anthropozoomorphist ” hybridization. Since the IV millennium, Egyptians represented their divinities by associating animal parts with the human body. This practice allowed to move men closer to gods and to overtake the human condition.
 
The same thing happens in Africa where the bearing of zoomorphic masks is still of current events in numerous ritual ceremonies. These masks are the representation of the dominant characteristics of the represented animals and they mostly allow to communicate with the spirits.
Here, it is not about mask. These animal heads are a part of these human bodies. The whole figures are inhabited by their bestiality.

LUCIEN MURAT
Solo Show
Lapin est proche
 
DU SAMEDI 25 MAI AU SAMEDI 22 JUIN 2013
Vernissage le 25 Mai de 17h à 21h
 
__
 
Lucien Murat est né en France en 1986. Il vit et travaille à Londres (Angleterre) et Paris (France). Déjà présent dans de nombreuses collections privées parisiennes et internationales
 
Dans la lignée de son engagement pour la jeune scène artistique française la Galerie Vanessa Quang souhaite présenter la première exposition personnelle de l’artiste Lucien Murat, dont le travail déjà très plébiscité est présent dans de nombreuses collections privées.
 
Diplômé de la prestigieuse Central Saint Martins, Lucien Murat explore les modalités formelles de la narration à travers une approche ludique qui vise, par la multiplication des références classiques, des figures grotesques et des topos contemporains, à éclairer les penchants et les travers de l’inconscient collectif.
Inspiré par la symbolique de la fin du monde et les travaux universitaires de M. Bakhtine -le carnaval comme renversement des hiérarchies et des valeurs-, son premier SOLO SHOW célèbre la tension entre le chaos carnavalesque comme horizon de l’homme, et le sourire créateur de l’artiste qui lui permet de jouer avec la contingence.
 
Par delà le « brouhaha » qui semble se dégager de la richesse des références thématiques et formelles, LAPIN EST PROCHE propose une vision d’un monde ‘denormatisé’ ou la satire humoristique vient provoquer et inviter le public à franchir l’expectatif, à participer d’un processus de réflexion et de redéfinition des mythes de nos sociétés.
 
Grands ensembles construits à partir de plus petites tapisseries choisies pour leur imagerie, les tapisseries de Lucien Murat racontent le destin déclassé de héros perdus dans un Éden apocalyptique. Somme subjective des peurs et des appréhensions humaines, ces tapisseries sont aussi un hommage à la grande tradition française (Aubusson, Gobelins…) puisqu’elles réactivent un support dont la fonction narrative est depuis longtemps marginalisée. Si la profusion des figures cartoonesques et, plus largement, l’apparente spontanéité du traitement graphique semblent indiquer le fantasme et l’enfance, le découpage en case, la fragmentation de la narration invite à dépasser cette première impression. « Mettre fin au monde » c’est aussi l’exubérance du renversement des représentations, des idées, des principes qui structurent nos perceptions. C’est pourquoi, pour Lucien Murat, le corollaire de ce morcellement de la réalité n’est pas le pessimisme.
 
Puisqu’au XXIe siècle, il suffit de représenter un barbu avec un turban pour évoquer le terrorisme, Lucien Murat –dans la lignée de la riche tradition satirique du XIXe- cherche à exacerber, détourner, remodeler les traits constitutifs des peurs et tabous de notre société. Inspirées par la symbolique de la Nuit et du cauchemar mais aussi par les photographies de paysages bucoliques qui foisonnent sur les sites de photographie amateur, les gravures de Lucien Murat continuent cette réflexion sur le rapport dialectique et nécessaire qui existe entre création et destruction, ordre et désordre, Lumière et Obscurité. Comme Daumier ou Gilray avant lui, il montre les passerelles qui existent entre culture classique et problématiques contemporaines.
Sa gravure d’Oussama Ben Laden en Méduse dont les serpents seraient des avions illustre le caractère « pétrificateur » pour la raison des traumatismes liés au terrorisme.
 
L’installation vidéo Did you go to a Rat School, qui montre le jeu d’un rat avec une tapette transformée en machine à imprimer est le fruit d’une réflexion sur la notion de contingence dans la création artistique. Délégation de l’acte créatif a un animal communément rattaché aux maladies, DYGTRS est un hommage à ce que la création peut avoir d’aléatoire, aux formes les plus invisibles de l’influence, un questionnement sur les limites du rôle de l’artiste. Le caractère anxiogène inhérent au déroulement du film reflète la tension qui existe entre un objet porteur de destruction (le Piège) et de création (le Presse). Le sourire ironique de Lucien Murat qui traverse la relation dialectique Création-Destruction de LAPIN EST PROCHE apparaît sous le tampon final de la presse.
 
Avec le soutien du Centre national des arts plastiques
(aide à la première exposition),
ministère de la Culture et de la Communication

LUCIEN MURAT
Solo Show
Lapin est proche
 
DU SAMEDI 25 MAI AU SAMEDI 22 JUIN 2013
Vernissage le 25 Mai de 17h à 21h
 
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Lucien Murat est né en France en 1986. Il vit et travaille à Londres (Angleterre) et Paris (France). Déjà présent dans de nombreuses collections privées parisiennes et internationales
 
Dans la lignée de son engagement pour la jeune scène artistique française la Galerie Vanessa Quang souhaite présenter la première exposition personnelle de l’artiste Lucien Murat, dont le travail déjà très plébiscité est présent dans de nombreuses collections privées.
 
Diplômé de la prestigieuse Central Saint Martins, Lucien Murat explore les modalités formelles de la narration à travers une approche ludique qui vise, par la multiplication des références classiques, des figures grotesques et des topos contemporains, à éclairer les penchants et les travers de l’inconscient collectif.
Inspiré par la symbolique de la fin du monde et les travaux universitaires de M. Bakhtine -le carnaval comme renversement des hiérarchies et des valeurs-, son premier SOLO SHOW célèbre la tension entre le chaos carnavalesque comme horizon de l’homme, et le sourire créateur de l’artiste qui lui permet de jouer avec la contingence.
 
Par delà le « brouhaha » qui semble se dégager de la richesse des références thématiques et formelles, LAPIN EST PROCHE propose une vision d’un monde ‘denormatisé’ ou la satire humoristique vient provoquer et inviter le public à franchir l’expectatif, à participer d’un processus de réflexion et de redéfinition des mythes de nos sociétés.
 
Grands ensembles construits à partir de plus petites tapisseries choisies pour leur imagerie, les tapisseries de Lucien Murat racontent le destin déclassé de héros perdus dans un Éden apocalyptique. Somme subjective des peurs et des appréhensions humaines, ces tapisseries sont aussi un hommage à la grande tradition française (Aubusson, Gobelins…) puisqu’elles réactivent un support dont la fonction narrative est depuis longtemps marginalisée. Si la profusion des figures cartoonesques et, plus largement, l’apparente spontanéité du traitement graphique semblent indiquer le fantasme et l’enfance, le découpage en case, la fragmentation de la narration invite à dépasser cette première impression. « Mettre fin au monde » c’est aussi l’exubérance du renversement des représentations, des idées, des principes qui structurent nos perceptions. C’est pourquoi, pour Lucien Murat, le corollaire de ce morcellement de la réalité n’est pas le pessimisme.
 
Puisqu’au XXIe siècle, il suffit de représenter un barbu avec un turban pour évoquer le terrorisme, Lucien Murat –dans la lignée de la riche tradition satirique du XIXe- cherche à exacerber, détourner, remodeler les traits constitutifs des peurs et tabous de notre société. Inspirées par la symbolique de la Nuit et du cauchemar mais aussi par les photographies de paysages bucoliques qui foisonnent sur les sites de photographie amateur, les gravures de Lucien Murat continuent cette réflexion sur le rapport dialectique et nécessaire qui existe entre création et destruction, ordre et désordre, Lumière et Obscurité. Comme Daumier ou Gilray avant lui, il montre les passerelles qui existent entre culture classique et problématiques contemporaines.
Sa gravure d’Oussama Ben Laden en Méduse dont les serpents seraient des avions illustre le caractère « pétrificateur » pour la raison des traumatismes liés au terrorisme.
 
L’installation vidéo Did you go to a Rat School, qui montre le jeu d’un rat avec une tapette transformée en machine à imprimer est le fruit d’une réflexion sur la notion de contingence dans la création artistique. Délégation de l’acte créatif a un animal communément rattaché aux maladies, DYGTRS est un hommage à ce que la création peut avoir d’aléatoire, aux formes les plus invisibles de l’influence, un questionnement sur les limites du rôle de l’artiste. Le caractère anxiogène inhérent au déroulement du film reflète la tension qui existe entre un objet porteur de destruction (le Piège) et de création (le Presse). Le sourire ironique de Lucien Murat qui traverse la relation dialectique Création-Destruction de LAPIN EST PROCHE apparaît sous le tampon final de la presse.
 
Avec le soutien du Centre national des arts plastiques
(aide à la première exposition),
ministère de la Culture et de la Communication