The gallery has the great pleasure to present the work of Bernhard Rüdiger in its upcoming exhibition starting May 16th. Bernhard Rüdiger was born in Rome in 1964. A graduate of the Accademia di Belle Arti of Milan, he has lived in Paris since 1994 and currently teaches at the Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts of Lyon.
 
Back in Italy, Bernhard Rüdiger worked at the Casa degli artisti of Milan, founded by Luciano Fabro, Jole de Sanna and Hidetoshi Nagasawa in 1981, and helped to define the Italian art scene of the second half of the 1980s. After collaborations with such artists as Liliana Moro, Adriano Trovato and Mario Airò as well as several experimental collective projects, the group founded the journal Tirracorendo and the gallery Lo Spazio di Via Lazzaro Palazzi, an important institution in the Milanese art scene between 1989 and 1993. Bernhard Rüdiger subsequently made a name for himself in France with a monumental piece entitled La Poésie installed at the F.R.A.C. centre in 1995. Since then he has participated in numerous group exhibitions (Le Magasin, Grenoble, 1992 , Venice Biennale, 1993 ; Le Nouveau Musée, Villeurbanne, 1995, Rome Quadriennale, 1996 et 2008) as well as personal shows (La Box, Bourges, 1994 ; Centre de Création Contemporaine, Tours, 1996 ; CRUCE, Madrid, 2002 ; Galerie Christian Stein 1995 et 2000; Galerie Michel Rein 2000 et 2004; Château des Adhémars, Montélimar 2006; Château de la Bastie d'Urfé 2009; Traversée Zeitgenössische Kunst, Munich, 2005, 2008 et 2011 ; Galerie des Multiples, Paris, 2011).
Bernhard Rüdiger’s works confront the viewer with physical experiences bringing into play objects, bodies and space. Both sculptures and architectural monuments, his pieces seek to dialogue with history through meticulous spatial and acoustic arrangements, such as in Pendule 06.08.1945. The artist is also interested in opening up the possibility for the work to react to the presence of visitors or natural elements.

LUCIEN MURAT
Solo Show
Lapin est proche
 
DU SAMEDI 25 MAI AU SAMEDI 22 JUIN 2013
Vernissage le 25 Mai de 17h à 21h
 
__
 
Lucien Murat est né en France en 1986. Il vit et travaille à Londres (Angleterre) et Paris (France). Déjà présent dans de nombreuses collections privées parisiennes et internationales
 
Dans la lignée de son engagement pour la jeune scène artistique française la Galerie Vanessa Quang souhaite présenter la première exposition personnelle de l’artiste Lucien Murat, dont le travail déjà très plébiscité est présent dans de nombreuses collections privées.
 
Diplômé de la prestigieuse Central Saint Martins, Lucien Murat explore les modalités formelles de la narration à travers une approche ludique qui vise, par la multiplication des références classiques, des figures grotesques et des topos contemporains, à éclairer les penchants et les travers de l’inconscient collectif.
Inspiré par la symbolique de la fin du monde et les travaux universitaires de M. Bakhtine -le carnaval comme renversement des hiérarchies et des valeurs-, son premier SOLO SHOW célèbre la tension entre le chaos carnavalesque comme horizon de l’homme, et le sourire créateur de l’artiste qui lui permet de jouer avec la contingence.
 
Par delà le « brouhaha » qui semble se dégager de la richesse des références thématiques et formelles, LAPIN EST PROCHE propose une vision d’un monde ‘denormatisé’ ou la satire humoristique vient provoquer et inviter le public à franchir l’expectatif, à participer d’un processus de réflexion et de redéfinition des mythes de nos sociétés.
 
Grands ensembles construits à partir de plus petites tapisseries choisies pour leur imagerie, les tapisseries de Lucien Murat racontent le destin déclassé de héros perdus dans un Éden apocalyptique. Somme subjective des peurs et des appréhensions humaines, ces tapisseries sont aussi un hommage à la grande tradition française (Aubusson, Gobelins…) puisqu’elles réactivent un support dont la fonction narrative est depuis longtemps marginalisée. Si la profusion des figures cartoonesques et, plus largement, l’apparente spontanéité du traitement graphique semblent indiquer le fantasme et l’enfance, le découpage en case, la fragmentation de la narration invite à dépasser cette première impression. « Mettre fin au monde » c’est aussi l’exubérance du renversement des représentations, des idées, des principes qui structurent nos perceptions. C’est pourquoi, pour Lucien Murat, le corollaire de ce morcellement de la réalité n’est pas le pessimisme.
 
Puisqu’au XXIe siècle, il suffit de représenter un barbu avec un turban pour évoquer le terrorisme, Lucien Murat –dans la lignée de la riche tradition satirique du XIXe- cherche à exacerber, détourner, remodeler les traits constitutifs des peurs et tabous de notre société. Inspirées par la symbolique de la Nuit et du cauchemar mais aussi par les photographies de paysages bucoliques qui foisonnent sur les sites de photographie amateur, les gravures de Lucien Murat continuent cette réflexion sur le rapport dialectique et nécessaire qui existe entre création et destruction, ordre et désordre, Lumière et Obscurité. Comme Daumier ou Gilray avant lui, il montre les passerelles qui existent entre culture classique et problématiques contemporaines.
Sa gravure d’Oussama Ben Laden en Méduse dont les serpents seraient des avions illustre le caractère « pétrificateur » pour la raison des traumatismes liés au terrorisme.
 
L’installation vidéo Did you go to a Rat School, qui montre le jeu d’un rat avec une tapette transformée en machine à imprimer est le fruit d’une réflexion sur la notion de contingence dans la création artistique. Délégation de l’acte créatif a un animal communément rattaché aux maladies, DYGTRS est un hommage à ce que la création peut avoir d’aléatoire, aux formes les plus invisibles de l’influence, un questionnement sur les limites du rôle de l’artiste. Le caractère anxiogène inhérent au déroulement du film reflète la tension qui existe entre un objet porteur de destruction (le Piège) et de création (le Presse). Le sourire ironique de Lucien Murat qui traverse la relation dialectique Création-Destruction de LAPIN EST PROCHE apparaît sous le tampon final de la presse.
 
Avec le soutien du Centre national des arts plastiques
(aide à la première exposition),
ministère de la Culture et de la Communication

LUCIEN MURAT
Solo Show
Lapin est proche
 
DU SAMEDI 25 MAI AU SAMEDI 22 JUIN 2013
Vernissage le 25 Mai de 17h à 21h
 
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Lucien Murat est né en France en 1986. Il vit et travaille à Londres (Angleterre) et Paris (France). Déjà présent dans de nombreuses collections privées parisiennes et internationales
 
Dans la lignée de son engagement pour la jeune scène artistique française la Galerie Vanessa Quang souhaite présenter la première exposition personnelle de l’artiste Lucien Murat, dont le travail déjà très plébiscité est présent dans de nombreuses collections privées.
 
Diplômé de la prestigieuse Central Saint Martins, Lucien Murat explore les modalités formelles de la narration à travers une approche ludique qui vise, par la multiplication des références classiques, des figures grotesques et des topos contemporains, à éclairer les penchants et les travers de l’inconscient collectif.
Inspiré par la symbolique de la fin du monde et les travaux universitaires de M. Bakhtine -le carnaval comme renversement des hiérarchies et des valeurs-, son premier SOLO SHOW célèbre la tension entre le chaos carnavalesque comme horizon de l’homme, et le sourire créateur de l’artiste qui lui permet de jouer avec la contingence.
 
Par delà le « brouhaha » qui semble se dégager de la richesse des références thématiques et formelles, LAPIN EST PROCHE propose une vision d’un monde ‘denormatisé’ ou la satire humoristique vient provoquer et inviter le public à franchir l’expectatif, à participer d’un processus de réflexion et de redéfinition des mythes de nos sociétés.
 
Grands ensembles construits à partir de plus petites tapisseries choisies pour leur imagerie, les tapisseries de Lucien Murat racontent le destin déclassé de héros perdus dans un Éden apocalyptique. Somme subjective des peurs et des appréhensions humaines, ces tapisseries sont aussi un hommage à la grande tradition française (Aubusson, Gobelins…) puisqu’elles réactivent un support dont la fonction narrative est depuis longtemps marginalisée. Si la profusion des figures cartoonesques et, plus largement, l’apparente spontanéité du traitement graphique semblent indiquer le fantasme et l’enfance, le découpage en case, la fragmentation de la narration invite à dépasser cette première impression. « Mettre fin au monde » c’est aussi l’exubérance du renversement des représentations, des idées, des principes qui structurent nos perceptions. C’est pourquoi, pour Lucien Murat, le corollaire de ce morcellement de la réalité n’est pas le pessimisme.
 
Puisqu’au XXIe siècle, il suffit de représenter un barbu avec un turban pour évoquer le terrorisme, Lucien Murat –dans la lignée de la riche tradition satirique du XIXe- cherche à exacerber, détourner, remodeler les traits constitutifs des peurs et tabous de notre société. Inspirées par la symbolique de la Nuit et du cauchemar mais aussi par les photographies de paysages bucoliques qui foisonnent sur les sites de photographie amateur, les gravures de Lucien Murat continuent cette réflexion sur le rapport dialectique et nécessaire qui existe entre création et destruction, ordre et désordre, Lumière et Obscurité. Comme Daumier ou Gilray avant lui, il montre les passerelles qui existent entre culture classique et problématiques contemporaines.
Sa gravure d’Oussama Ben Laden en Méduse dont les serpents seraient des avions illustre le caractère « pétrificateur » pour la raison des traumatismes liés au terrorisme.
 
L’installation vidéo Did you go to a Rat School, qui montre le jeu d’un rat avec une tapette transformée en machine à imprimer est le fruit d’une réflexion sur la notion de contingence dans la création artistique. Délégation de l’acte créatif a un animal communément rattaché aux maladies, DYGTRS est un hommage à ce que la création peut avoir d’aléatoire, aux formes les plus invisibles de l’influence, un questionnement sur les limites du rôle de l’artiste. Le caractère anxiogène inhérent au déroulement du film reflète la tension qui existe entre un objet porteur de destruction (le Piège) et de création (le Presse). Le sourire ironique de Lucien Murat qui traverse la relation dialectique Création-Destruction de LAPIN EST PROCHE apparaît sous le tampon final de la presse.
 
Avec le soutien du Centre national des arts plastiques
(aide à la première exposition),
ministère de la Culture et de la Communication
 
 

The Galerie Nathalie Obadia is delighted to present recent works by Enoc Perez in the new gallery, rue du Bourg-Tibourg.
 
It is the third show by the artist with Galerie Nathalie Obadia , who has represented him since 2007. His first exhibition was hold then, after his participation in ‘Cher Peintre ... Peintures Figuratives depuis l’ultime Picabia’ at the Centre Pompidou in 2002. An exhibition of works on paper was aslo held at the gallery in Brussels in 2011.
 
Enoc Perez is back with an eagerly awaited exhibition; this will be the first time his sculptures are shown in Paris. With these sculptural works, Enoc Perez continues to explore the themes of modernist architecture, nostalgia and the culture of his native Puerto Rico, which has always been a source of inspiration in his pictorial work. The sculptures revisit the atmosphere of hotels in the Caribbean, a topic which is also present in the paintings from the years 2000.
 
The Galerie Nathalie Obadia will be presenting recent paintings by Enoc Perez: more abstract architectures which use a very subtle and more austere palette of colours to define constructions which are still modern, but already shaping up to become the relics of an America and its history.

Artists : Åbäke (UK/FR/SW), Jasper Coppes (NL), Jeanne Gillard et Nicolas Rivet (FR), Fabio Kacero (ARG), Luciana Lamothe (ARG), Dalibor Martinis (HR), Axel Straschnoy (ARG), Charlotte York (USA)
 
Curators : Marie Frampier and Javier Villa
 
Performance by Åbäke : Saturday, July 6th 2013
Axel Straschnoy‘s Conference : Notes on the double agent : James Jesus Angleton : Saturday, July 6th 2013 at 5pm
 
Broadcast daily at 11am from the movie “Un jour sans fin” by Harold Ramis.
 
“Historico-vagabond” offers instant rewriting of history through the visionary thinking of Jose Noriega.
 
He is an Argentine theorist who settled in the United States in the early twentieth century; a friend of Sigmund Freud and his nephew Edward Bernays, Noriega had realized early on that conflicting accounts could arise from a single theory. He decided to falsify history to create a better world and make people happy, willingly or unwillingly. He organized sessions of individual and collective hypnosis during which he could change traumas into happy memories, influence the future by revisiting the past, and rethink the present with regard to the future.
 
José Noriega’s mind is the theoretical framework of the exhibition; a section of archival material is dedicated to him. The artists in the show are interested in history and its renewal; they question the methods of infiltration and ideals. Luciana Lamothe, Jasper Coppes and Charlotte York infiltrate the secret treasures of history while Jeanne Gillard and Nicolas Rivet present a recontextualized version of soap sculptures that Bernays had initiated. In But a grainy film, Fabio Kacero modifies his own video by adding to it a very critical prose of a New York Times journalist regarding his work. Dalibor Martinis journeys through time and splits the screen into a set of artistic and ontological questions / answers, while the haunting music of Kraftwerk and repetitive images of Fritz Lang surround the exhibition space and automate some of the visitor’s wandering. During the conferences / performances, Axel Straschnoy will present his current research on secret agents and Åbäke will analyze the life and work of Charlotte York.
 
Consisting of historical documents, reappropriations, and fictional archives, and reconstructions, “Historico-vagabond” seeks to create a temporal paradox. Rewriting history is a potential tool for positive change, rather than looking toward the future, as did the modernist utopias, we change the past in order to magnify the present, by traveling back in time to create a deviation and to then offer an alternate timeline.
 
Soap Sculptures project is supported by Fonds cantonal d’art contemporain, Geneve
 
**supported by Arts Promotion Centre Finland