La Galleria MARCOROSSI artecontemporanea ha il piacere di presentare la mostra personale di Roberta Savelli, una delle figure più sensibili del panorama milanese. L’artista, che collabora con la galleria dal 2005, anno della sua prima esposizione negli spazi di C.so Venezia, ha atteso il compimento di un nuovo importante ciclo di opere per riproporsi alla propria città con la consapevolezza di artista ormai matura.
Il lavoro di Roberta Savelli, infatti, in questi anni si è arricchito di contenuti che, pur mantenendo le caratteristiche formali legate alla figurazione, hanno certamente richiesto un approfondimento del pensiero.
Esercizi di matematica è il risultato di un anno di intuizioni trasformate in sperimentazioni e di confronti con argomenti e ambiti nuovi. La partenza di questo affascinante progetto è la passione letteraria della Savelli per l’Alice di Lewis Carroll, professore di matematica, che conduce l’artista “oltre lo specchio” per indagare il suo controverso rapporto con la matematica e con chi, come sua sorella, vive e lavora in questo mondo teso alla sintesi e alla ricerca di ordine. È da questo intimo e personale raffronto che l’artista va alla ricerca del legame della propria arte con il mondo della scienza dei numeri e delle regole che li governano e, in senso più lato, con una parte di sé che fino ad oggi aveva tenuto lontana. Partendo da un’ipotesi di lavoro, attraverso un processo di introspezione, Roberta Savelli ha applicato un metodo scientifico di semplificazione logica e funzionale, con veri e propri esercizi di disegno e di pittura mirati a perfezionare questa particolare relazione. Uno scambio di corrispondenza con matematici ed scienziati le ha, inoltre, fornito gli stimoli per approfondire e modificare la propria ricerca in corso d’opera, approdando ad una soluzione sicuramente diversa da quella supposta in partenza.
Il risultato di questa lunga equazione è una mostra nella quale le eleganti figure che contraddistinguono il lavoro dell’artista, si stagliano su fondi costellati di astri e definiti da un ordine meditativo assolutamente mentale, lo stesso che anima i nuovi paesaggi, essenziali e rigorosi.
Un’inedita carta da parati disegnata dall’artista stessa, è il fondale sul quale la sua morbida linea rossa scorre, disegnando figure nella sequenza delle posizioni yoga del Saluto al sole. Questa pratica che l’artista segue da tempo consente di aprire i propri centri all’energia solare, e a quella del cosmo in generale, e le ha fornito concentrazione e ispirazione per questo percorso metafisico tra terra e universo, realtà e immaginazione, pratica artistica e teoria scientifica.

Massimo De Carlo is pleased to present How To Live? a solo exhibition by American artist Andrea Zittel. The exhibition will present five new works from Zittel‘s ongoing series, Prototypes for Billboards, and a video titled How To Live?: A dynamic essay about liberation and it’s complexities.
 
This new video portrays a settlement in the southern California desert, on a piece of land that no one seems to own. It is free to live on this land and there are no restrictions on what people can or cannot do there. With this glimpse into one community‘s liberation from mass society, the video touches on the existential nature of freedom, as it’s price, and meaning are called into question.
 
In contrast to the outdoor settlement presented in the video, the painted billboard prototypes depict intimate and detailed interiors from the artist’s home, the ongoing site-specific project entitled A-Z West, also located in the southern California desert. As the images of these domestic settings embody the same questions that emerge in the video work, we see the artist carry the weight of these questions into the everyday and every action.
 
The overarching question of How To Live? is lifted directly from the essays of Michel de Montaigne, who’s life’s writings comprise a massive volume of essays and anecdotes on all the nuances of day-to-day living. Zittel, like Montaigne, in a very personal and idiosyncratic manner, continues her life’s work of asking these questions, constantly rewriting them, and allowing them to evolve in accordance to time and place.
 
Andrea Zittel was born in 1965 in Escondido California. She received a BFA in painting and sculpture from San Diego State University, and an MFA in sculpture from the Rhode Island School of Design. In the early 1990s she first established her practice in New York. One of her most visible projects in New York was A-Z East, a small row house in Brooklyn which she turned into a showroom testing grounds for her prototypes for living. In 1999 she moved back to the West Coast, eventually settling in the High Desert region next to Joshua Tree National Park at founded A-Z West. Andrea is a co-organizer of the High Desert Test Sites and the A-Z smockshop in Los Angeles. Her work has been included in group exhibitions such as the Venice Biennale, Doccumenta X, Skulture project in Munster, and both the 1995 and the 2004 Whitney Biennials. She has had solo exhibitions at the San Francisco Museum of Modern Art; The Carnegie Museum in Pittsburgh; The Diechtorhallen in Hamburg; the Whitney Museum of American Art at Altria, NY; The Museum for Gegenwartskunst in Basel; The Louisiana Museum in Denmark, the Schaulager in Basel and Magasin 3 in Stockholm. Her 2005-2007 North American traveling survey show Critical Space traveled to The New Museum, The Contemporary Arts Museum, Houston, TX; the Albright Knox museum in Buffalo, NY; the Los Angeles Museum of Contemporary Art, and the Vancouver Art Gallery.

“Three (Talents) in a Boat”:
Kate Fichard / Bernhard Kahrmann / Erica Nyholm
curated by Domenico de Chirico
 
Do you know the sense of humour of British writer and journalist Jerome Klapka Jerome?
Definitely far from the ways of farse, easy puns and obscene innuendos, this humour in fact derives from observation of common and daily circumstances. From the unsuspected.
His name is most commonly associated to his most famous work, the comedy Three Men in a Boat (1889). Boating upstream in river Thames, friends Jerome, Harris and George, with their loyal friend Montmorency the dog, travel on their boat for days and live new and unexpected adventures that never fail to move.
Three main characters at comparison, each with their own unique language. Three artists compared: Bernhard, Erica and Kate.
Only one will: communicate. Here they are on the same boat. Playing.
They suggest three different readings of the surrounding world, all joined by a strong sensitivity, attention and aesthetic research.
 
Bernard Kahrmann (German, born in 1973), Erica Nyholm (Finnish, born in 1982) and Kate Fichard (Anglo-French, born in 1987) launch the first collective exhibition curated by Domenico de Chirico. Two of them were among the “Jeune Talents” in the Paris Photo edition of 2012.
While the water and family sceneries frame self-reflection wishes (Erica Nyholm) and the light shows itself in hues of gleams, so dear to Giuseppe Ungaretti (Bernard Kahrmann), the suspension and capsizing highlight the unforeseen with a touch of witticism (Kate Fichard).
“To Say Nothing of the Dog”!

The exhibition presents 15 paintings of medium and large size paintings created specifically in response to the gallery space.
Gregor Gleiwitz challenges the observer’s engagement and experience of painting through depictions of figures, shapes and body fragments that begin from dense areas without ever identifying themselves as definitively figurative. His painting are characterized by a dynamic interplay of forms that emerge on a common ground, yet, whose expression is to let our imagination wander and presuppose.
Faceless entities and undefined bodies appear to the observer, seemingly wanting to explode and going beyond the limits of the canvas. A depicted gestation of hybrid figures, between man and animal, vegetable and mineral forms defy any clear recognition and labeling. The images range between substantial and insubstantial, they remain suspended in a timeless interval between becoming and dissolution.
They are paintings that language fails to acutely articulate, the visual language has no distinctive element subject to any definitive correlation, objective categorization or definite conclusion. The images of Gregor Gleiwitz thus reveal nothing in our eyes, but persist in their manifestation.
 
Gregor Gleiwitz born in Poland in 1977, lives and works in Berlin. He exhibited in 2007 in Santiago de Chile Santiago de El poster Matucana 100 in 2008 in Cologne, Cologne Simultanhalle in 2009 in Berlin Hüttendong, After The Butcher, in 2010 in Dusseldorf and Mannehim Seb Koberstädt, Gregor Gleiwitz im Dok25 in 2012 im Reflex des Erkennens ist das Gegenüber sichtbar Manzoni Schäper at Galerie in Berlin, participates in the international exhibition MADE IN GERMANY ZWEI, international Kunst in Deutschland - Sprengel Museum in Hannover, the presented last two important group shows at the Galerie in Berlin Manzoni Schäper There is something between me and the outside world and at the Galerie Mikael Andersen titled Ikarier.

Prometeogallery di Ida Pisani is pleased to announce the opening of the exhibition “Trauma of the Exposed Body”, the first solo project of the acclaimed Romanian artist Ion Grigorescu, in the gallery’s premises in the Church San Matteo, Lucca.
 
Curated by Maria Rus Bojan, the exhibition revisits an important period from his creation, presenting works from the end of the 1970’s, when the artist investigated body issues through self-performative practices and also newer works, in which the body plays a central role.
 
Within the recent history of Romanian art, Ion Grigorescu has been one of the first artists who examined the social and cultural significance of body art, providing a new conceptual framework for defining a particular neo-avant garde that underlines the dramatic shift in the conception of the artistic subject.
 
Embracing a rather particular mix of approaches and spiritual perspectives, Ion Grigorescu practices body art as a mode of transfiguring himself, and as a tool to interrogate the meaning of his own existence, and also of the human condition in general.
 
“Trauma of the Exposed Body” is an artistic approach that reiterates the idea that the essence of life is inscribed on our body. Referring to the biblical moment when Adam and Eve, having disobeyed God by tasting fruit from the Tree of Knowledge, lose their innocence and become suddenly aware of their nakedness, Grigorescu emphasizes his own trauma caused by revealing his nude body in front of divinity. A practicing Christian and an artist who earned his existence by painting orthodox churches, Grigorescu underlines that the biblical sense of nudity indicates man’s spiritual purity and therefore, it is not a sacrilege, nor an offense to present himself naked before God.
 
The exhibition describes the artist’s struggle to conciliate the fundamental contradiction between his desire of experiencing nakedness as an expression of primordial spiritual purity and the traumatic acknowledgement of the original sin. Considering that too many layers had covered the spiritual nakedness of this world, Ion Grigorescu has chosen the oldest church from Lucca, the 10th century Romanic Basilica San Matteo, as a background for a spiritual unfolding of his ritual of harmonizing the body and mind. One can perceive this performative approach as a ritual of healing and of liberation from dogma and prejudice.
 
Conceived to work as a single installation, the display alternates projected images alluding to Christianity from his most famous 1970’s series of photographic works, such as “Ritual Bath” and “Washing with Light “, with mundane elements such as “White Wash”, “Braiding Hair”, “Athletics” or “Homage to Muybridge”, and with a more recent video projection entitled “Start”. The aim is to create the impression of a performative frieze that adds a different layer to the already sacred and charged space of the church.
 
Ion Grigorescu – born in 1945 in Bucharest, where he lives and works – is one of the most important representatives of performance and conceptual art in Romania and Eastern Europe. After 1989 he gained international recognition, and his works were shown at important exhibitions such as the São Paulo Art Biennial (1981 and 1994), Wanderlieder, Stedelijk Museum, Amsterdam (1991); Le corps photographié, FRAC Alsace (1996); The Body and The East, Moderna Galerija, Ljubljana; Out of Action, Museum of Contemporary Art, Los Angeles (1998). Among his most recent exhibitions are Ostalgia, New Museum, New York (2011), Les Promesses du passé, Centre Pompidou, Paris (2011), and the solo exhibitions at the Museum of Modern Art, Warsaw (2009), and the National Museum of Art, Cluj-Napoca, Romania (2011). He represented Romania at the Venice Biennale in 1997 and 2011.

Aldo Mondino: nomade
a cura di Achille Bonito Oliva
 
Milano, Fondazione Mudima
5 giugno - 5 luglio 2013
Inaugurazione: martedì 4 giugno, ore 18.30
 
Dopo la mostra personale di Aldo Mondino tenutasi nel 1990 alla Fondazione Mudima di Milano, a distanza di 23 anni, viene ripresentata nella stessa sede una significativa selezione di opere a cura di Achille Bonito Oliva e in collaborazione con l’Archivio Aldo Mondino. Dal 5 giugno al 5 luglio, si ritrovano alcune delle grandi installazioni realizzate per quella storica occasione, oltre ad alcune opere scelte tra le serie più note dell’artista torinese (1938-2005).
 
A testimonianza del periodo trascorso dall’artista a Parigi dal 1959 al 1960, anni in cui frequenta l’École du Louvre e stringe amicizia con Tancredi entrando in contatto col milieu intellettuale dell’epoca, si ritrova in mostra la scultura in bronzo Tour Eiffel (h. circa 2,40 mt.), vero e proprio assemblage dei più disparati oggetti del suo studio a formare un ironico omaggio al simbolo della capitale francese. Insieme all’altra scultura bronzea Arabesque, l’ingresso alla mostra è segnato dalla presenza di Ittiodromo una potentissima installazione del 1967 che accosta uno scivolo per bambini a un vero pesce di grandi dimensioni lasciatovi sgocciolare sulla superficie.
Dal 1963 - quando rientra in Italia, e in occasione della mostra torinese alla Galleria Sperone del 1964 - i temi del gioco e dell’infanzia diventano ricorrenti nella sua ricerca artistica che incomincia a fare della relazione col pubblico uno strumento attivo di partecipazione all’opera.
 
La riflessione sulla storia della pittura e sulle tecniche diventa l’elemento portante di molte opere, come quella con i palloncini qui esposta, proveniente dalla serie creata nel 1965 per la Galleria Stein di Torino. L’elemento ludico e partecipativo è del resto presente in tutta la sua opera successiva, accompagnato all’uso di materiali extra-pittorici, effimeri e talvolta edibili che, come ha lui stesso dichiarato: “sono il frutto di quella dimensione miope, di quella distanza che mi fa vedere da lontano un oggetto che da vicino diventa un altro…”. Lo testimoniano le installazioni realizzate con la pasta di caramella, col cioccolato o con lo zucchero, come nello spettacolare Muro del Pianto (4x6,40 m) fatto di zucchero e costruito all’interno dello spazio espositivo o nell’ambiente interamente ricoperto di marshmallows realizzato al piano terra o nell’installazione a pavimento Raccolto in preghiera, un enorme tappeto di preghiera fatto da decine di granaglie diverse. In dialogo con quest’ultimo, su una grande parete, sono esposti i celebri Tappeti realizzati su eraclite, un materiale usato nell’edilizia, in colori brillanti: sovrapposti e accostati conferiscono alle sale dello spazio milanese la girandola di colori di un fantasmagorico suk medio-orientale.
 
Costantemente mobile nei suoi riferimenti e nel gioco delle sue sfide ai luoghi comuni, la mostra indaga così anche quella parte della ricerca di Mondino contaminata dalle suggestioni orientali ed esotiche immagazzinate nei tanti viaggi dal Marocco alla Palestina. Elemento presente in mostra anche nelle opere dedicate ai Dervisci rotanti, dove Mondino intravede, come ha lasciato scritto “…un affascinante parallelismo tra la preghiera e l’intensità dell’attenzione nel dipingere in modo concettuale, innamorandomi della preghiera esaltata delle danze dei Dervisci”.
La grande installazione del 2005 dedicata a I cacciatori di orchidee, composta da tre grandi serre e ambientata a pianterreno, riafferma quel misto di nostalgia per l’esotico, per l’arcano misterioso e l’immancabile ironia che contraddistingue l’opera di uno degli artisti italiani più significativi dell’arte contemporanea.
 
Accompagna la mostra un catalogo edito da Mudima Edizioni, con testi di Achille Bonito Oliva, Gianluca Ranzi e una selezione di testi di Aldo Mondino.
 
Scheda della mostra
Titolo Aldo Mondino: nomade
A cura di Achille Bonito Oliva
Sede Fondazione Mudima | Via Tadino 26, Milano
Date 5 giugno – 5 luglio 2013
Inaugura martedì 4 giugno, ore 18.30
Orario lunedì – venerdì 11.00 - 13.00/15.00 - 19.30
Ingresso libero
Catalogo edito da Mudima Edizioni, con testi di Achille Bonito Oliva, Gianluca Ranzi e una selezione di testi di Aldo Mondino.
 
Info al pubblico Archivio Aldo Mondino
T. + 39 02 33 60 77 05 | info@aldomondino.it
Fondazione Mudima
T. +39 02 29 40 96 33 | info@mudima.net | www.mudima.net
 
Ufficio stampa NORA comunicazione – Eleonora Caracciolo di Torchiarolo
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